Dossiê Inácio Araújo

Lílian M – Relatório Confidencial
Direção: Carlos Reichenbach
Montagem e edição: Inácio Araújo
Brasil, 1972

Por Marcelo Miranda

Quando perguntado sobre seu trabalho em Lilian M – Relatório Confidencial, Inácio Araujo nem precisa pensar muito. Diz que foi uma grande diversão, que esteve lado a lado com Carlão Reichenbach, que enxergou ali na mesa de montagem uma grande possibilidade de nascerem vários filmes diferentes. Despretensiosamente, Inácio dá a melhor definição possível para Lílian M: um filme de infinitos caminhos possíveis de percorrer, todos eles sempre feitos com extremo prazer – e diversão.

Era apenas o segundo longa-metragem de Carlão e um momento tateante de Inácio em sua breve (e significativa) carreira de montador. Em pleno começo dos anos 70, havia basicamente dois caminhos para se fazer cinema no Brasil: as produções “oficiais”, com a Embrafilme começando a atuar mais fortemente no mercado; e as produções “marginais”, nas quais os realizadores pegavam o que tinham e saíam com câmera em riste e equipe correndo atrás para dar vida a alguma obra artística. Era desta última leva toda a concepção de Lílian M. E isso está impresso em cada segundo de filme.

Nunca restaram dúvidas de que, se Carlão Reichenbach foi o pai de Lílian, Inácio Araujo foi seu padrinho mais querido e próximo. Tão mais surpreendente do que o próprio resultado final do que ficou sendo o filme é saber que a montagem foi a farra assumida pela dupla. Dá até para imaginar: Carlão chegou a Inácio com rolos e rolos de película (ou, ao menos, com o que tinha sido possível usar) e pediu que ele desse alguma forma àquilo tudo. Sentaram juntos e, acompanhados pelos olhos atentos e perspicazes de Ligia, esposa de Carlão, foram arriscando saber o que acontecia se tal cena viesse antes ou depois daquela outra, ou quanto tempo de tela essa imagem deveria ter em relação àquela.

Assim tentaram, sob várias combinações. De vez em quando, uma gargalhada; outras vezes, algum desentendimento; na maior parte das ocasiões, o olhar trocado de dois profissionais que sentiam estar criando algo ali, naquele momento. Inácio já disse que achava curioso como ele e Carlão riam durante a montagem enquanto, na tela, a trajetória de Lílian não era das mais engraçadas.

Esse é outro elemento bastante claro no filme: o desenrolar da vida da protagonista é cheio de momentos doloridos, mas a forma poética como tudo nos surge é sempre encantadora, comovente, forte, autêntica. Lílian M é orgânico, coeso, desbundado, debochado, engraçado, triste, verdadeiro, divertido e trágico. Muito desse admirável rompante estético e narrativo representado pelo filme está em toda aquela diversão que Inácio teve na junção dos pedaços que Carlão lhe trouxe em algum dia (ou noite) dos primeiros meses dos anos 70. No delírio maravilhoso que é Lílian M, Carlão atuou como uma espécie de Dom Quixote; Inácio talvez tenha sido seu Sancho Pança.

Marcelo Miranda é jornalista e crítico de cinema em Belo Horizonte. Escreve para o jornal  O Tempo e para a revista eletrônica Filmes Polvo.

Dossiê Inácio Araújo

Tchau, Amor!
Direção: Jean Garrett
Co-argumento, co-roteiro, edição, montagem: Inácio Araújo
Brasil, 1983

Por Adilson Marcelino

Jean Garrett não é só um dos maiores cineastas da Boca do Lixo, mas do cinema brasileiro. Afinal, ter no currículo filmes como Amadas e Violentadas (1976), Possuídas Pelo Pecado (1976), Excitação (1977), Noite em Chamas (1978), Mulher, Mulher (1979), A Mulher que Inventou o Amor (1980), O Fotógrafo (1981), Karina, Objeto do Prazer (1981), Tchau Amor! (1983) e Estranho Desejo (1983) não é mesmo para muitos.

O paradoxo é que seu nome quase nunca é citado, a não ser por parte da crítica, sobretudo da internet, e pelos amantes do cinema popular e da Boca do Lixo. A obra desse português radicado no Brasil em meados da década de 1960 é prova de que cinema popular não tem que ser sinônimo de produção rastaquera, que sofisticação e inteligência não são atributos apenas de uma parcela de eleitos.

Tchau, Amor! é mais um filme que nos assombra tanto pelo enfoque de sua trama quanto pelo rigor em sua condução. Aqui, Inácio Araújo assina o argumento e o roteiro com o diretor, além de pilotar a edição e a montagem. O filme é protagonizado por Antônio Fagundes e Angelina Muniz, secundados por Selma Egrei, Walter Forster e Denis Derkian.

Na trama, Fagundes é Paulo Reys, radialista das antigas que perde seu lugar por ser considerado ultrapassado demais para seduzir as novas plateias. Com um casamento em que não há mais lugar para paixão, sua vida não anda das melhores, daí seu passatempo é caminhar por uma São Paulo noturna, quase sempre com destino certo para o Viaduto do Chá. Em uma dessas noites encontra Rejane, interpretada por Angelina Muniz, e aí é que sua vida vira mesmo de ponta a cabeça.

Rejane é uma riquinha mimada e liberada, sempre disposta a conseguir tudo o que quer, nem que seja o prazer pelo prazer. Certa noite vê Paulo em pé no parapeito do viaduto e corre até ele a fim de evitar um possível suicídio. Nasce aí uma paixão intensa e conflituosa, e que fará Paulo Reys se segurar nela como se fosse sua derradeira tábua de salvação.

A fotografia do mestre Claudio Portioli ressalta uma São Paulo fria e impiedosa, e desde a primeira cena fixa em close na placa do Viaduto do Chá, percebemos que a metrópole será personagem essencial na trama. Se como cenário de São Paulo S/A (1965), de Luiz Sérgio Person, ela asfixiava o personagem de Walmor Chagas – “recomeçar, recomeçar” -, aqui ela parece querer anunciar que não há mais caminhos possíveis. Resta a Paulo Reys tentar driblar as armadilhas e estender um pouco mais seu tempo até o encontro indesviável de seu destino.

Dossiê Inácio Araújo 

Hitchcock, O Mestre do Medo 

Cinema, O Mundo em Movimento
 

Cinema de Boca em Boca – Escritos sobre Cinema

Dossiê Inácio Araújo

Amor, Palavra Prostituta
Direção: Carlos Reichenbach
Assistente de Direção, Cenografia, co-argumento, co-roteiro: Inácio Araújo 
Brasil, 1981.

Por Vébis Junior

Extremos do Prazer e Amor, Palavra Prostituta são resultados do fascínio do diretor pelo existencialismo, e principalmente do pré-existencialismo de Kierkgaard, ao mesmo tempo que os filmes carregam o débito do diretor com a pornochanchada.. Estes filmes não sintetizam o cinema de Reichenbach, mas sua experiência no cinema. Segundo o próprio Carlão “são atípicos na sua obra”.

Amor, Palavra Prostituta foi o primeiro filme em parceria com o crítico e jornalista Inácio Araújo como roteirista (que antes já havia montado Lilian M).

Naquela época, a captação de fundos para realização de um filme era diferente dos dias de hoje. Já tinham a verba e depois corriam atrás do assunto para o filme e seu roteiro. Existia uma lei de obrigatoriedade em que os produtores já estavam argolados com exibidores, por isso as produções eram rápidas, em duas semanas desenvolviam o roteiro, um curto espaço se levarmos em consideração que partiam do nada.

No caso de Amor, Palavra Prostituta desenvolveram algumas hipóteses como a história de um cara chato que se instalava na casa de dois amigos, mas engavetaram devido ao filme ficar tão chato quanto o personagem. Aí Reichenbach recorreu a velhas idéias em uma pasta arquivada. Encontraram uma história que acabou virando a primeira frase da personagem vivida pela Patrícia Scalvi: Vou voltar para Catanduva! – referindo-se a um amigo, Éder Manzini, montador do filme que era da região.

Inácio Araújo e Carlos Reichenbach escreviam os roteiros e argumentos durante a noite, a pedido de Reichenbach que achava a melhor hora para criar e desenvolver, e o processo de criação de personagens surgiam quando os dois construíam os diálogos como réplica, que soavam muito engraçado para os dois, que riam bastante. Quando o filme foi lançado, Lígia, esposa de Carlão, encontrou Inácio ao final da projeção que lhe perguntara se havia gostado do filme. A resposta foi um tanto quanto irônica: – Vocês riam muito a noite inteira e o filme é uma puta tragédia!!!

Inácio explica que o conjunto era dramático na história, Carlão queria mesmo era uma história de sangue! Ainda mais sobre um aborto mal feito, somente nos diálogos como, por exemplo, do personagem Luis Carlos (Roberto Miranda) com Fernando (Orlando Parolini).

A história é sobre uma operária especializada, casada com um professor desempregado (Orlando Parolini) que foi mestre do personagem de Roberto Miranda, que é o bonitão da história, e que aparecia com a moça na casa do professor depois de fazer um aborto que não deu certo.

A construção dos personagens, como a concepção dos filmes em geral contém muito do processo criativo de Inácio Araújo, por mais que o filme fosse de Reichenbach. Inclusive, Amor Palavra Prostituta é considerado pelo roteirista o primeiro filme com linguagem narrativa mais linear, graças a esta união.

Há uma preocupação social, do problema histórico do Brasil, subdesenvolvimento, das lutas de classes, mas não apenas isso. Acima de tudo e que difere dos problemas já citados, ele aborda problemas humanos. O personagem Fernando (Orlando Parolini), a vida que ele vive insiste que tome outra atitude, mas ele prefere continuar vivendo na contra-mão. (arquétipo comum dos personagens masculinos nos filmes de Carlão, os homens que dão murro em ponta de faca) Um problema existencial trazendo desilusão e desencanto. Um intelectual sem ação, resultado dos existencialistas que não têm certezas.

A presença da morte no filme está presente a todo tempo, desde o suicídio de um engravatado numa árvore na represa, até o aborto da garota deixada em agonia pelo personagem de Roberto Miranda. Nas leituras de Kierkgaard, a situação em que se encontra o professor é de desespero, justificando seu silêncio contínuo, conforme pesquisa já realizada por Milton do Prado ao redor da obra de Reichenbach. Um personagem, e, por consequência, um filme sem certezas. Só dá indícios de vida no final do filme, quando passou pela experiência simbólica da morte com o aborto de Lilita.

                                          “Eu acho que tem aí uma noção de que os encontros são múltiplos, a vida é múltipla, você vai ver na vida real, está sempre metido com pessoas que são diferentes de você. O fato de uma pessoa ser seu aluno não quer dizer que ela seja como você, completamente diferente neste contexto. Os caminhos que as pessoas são levadas são muito pessoais e estranhos. Mas isso também sempre teve, uma capacidade de escuta e de observar as coisas. Minha mulher achava que o Carlão carregava nas tintas na descrição dos personagens por exemplo, que os caras eram muito pesados, podiam ser mais leves, não eram aquilo, e o palavreado não é bem assim e tal. (pausa) mas de vez em quando eu estava com ela e você via uma cena, escutava alguém e você via como era assim mesmo, como na verdade e gente estava próximo da realidade. O que acontece? Quando estamos na vida real, você abstrai, né? quando você está vendo um filme, aquilo lá se transforma numa coisa muito importante. Mas os brasileiros estão muito parecidos com o que tem naqueles filmes, na verdade, nós tínhamos um objetivo a rigor realista, mas um realismo debochado também, né, senão não tem graça, seria buscar sempre o que está fora do parâmetro mais corriqueiro, tornando as relações mais completas, atrapalhadas e humanizadas.” (ARAÚJO Inácio entrevista concedida em Setembro de 2003).

Vébis Junior é cineasta e professor de cinema.

Dossiê Inácio Araújo

O Gosto do Pecado
Direção: Cláudio Cunha
Assistência de direção, co-argumento, co-roteiro: Inácio Araújo
Brasil, 1980

Por Adilson Marcelino

Em O Gosto do Pecado, Jardel Mello é um crápula. Daqueles machões que não aceitam que suas presas escapem de suas mãos. Quando seu filho, uma criança, pergunta se ele não vai voltar mais para casa, ficamos sabendo que está recém-separado. Ele desconversa com o filho, mas para nós, o público, toma a narração condutora e é taxativo: certo dia olhei para ela (a esposa) e vi que ela não me interessava mais. Logo depois assistimos a separação de fato diante do juiz e ficamos sabendo que a mulher é Maria Lucia Dhal.

O amigo, John Herbert, logo leva Julio Garcia – Jardel – para se esbaldar nos inferninhos da noite paulistana, mas logo ele vai perceber que não sabe o que fazer com a liberdade adquirida e, a partir daí, fará de tudo para que a esposa o aceite de volta. Não necessariamente para casamento, mas para namoro com pinta de amante.

Maria Lucia se debate, resiste e não resiste, mas quando ele vê que está mesmo perdendo terreno, encanta-se pela secretária. Nada menos que a bela Simone Carvalho, que em cena digna de Marilyn Monroe em O Pecado Mora ao Lado, desperta-lhe a libido e as garras de macho dono do pedaço. Só que a moça tem um noivo, o possessivo Fábio Villalonga, e daí se instaura um triângulo amoroso às claras, cheio de permissividade e interesses.

Essa descrição dos personagens poderia denotar seres repulsivos e sem nenhum real interesse além do escárnio. Só que não é nada disso. Em parte pelo talento dos atores – Jardel Mello, Simone Carvalho, Maria Lucia Dhal, John Herbert, Fábio Villalonga e Alba Valéria -, e também em boa parte pela direção de Claudio Cunha, que tem Inácio Araújo como assistente, e a fotografia elegante do mestre Carlos Reichenbach.

O Gosto do Pecado, que tem roteiro de Cunha, Araújo e Jean Garret, aponta sua lâmina com precisão para a diferença de classes e o quanto o poder manda e desmanda nessa seara. Enquanto Mello, Herbert e Dhal estão do lado de quem tem posses, Simone e Villalonga sacodem no ônibus lotado em direção à periferia onde moram.

Há ainda nesse mundinho de secretárias e patrões a figura de Alba Valéria – luminosa presença -, amante marginalizada de Mello, que se contorce na cama diante do gozo precoce do garanhão, que por sua vez não dá o braço a torcer e promove uma verdadeira curra na moça com a mão. A mesma atitude sádica ele terá com a prostituta interpretada por Ana Maria Kreisler, que ele sodomizará durante um programa.

O Gosto do Pecado esbanja solidão embebida em cinismo, mas nunca em ares blasé. O que há ali é uma verdade incômoda em personagens absolutamente e indesejadamente críveis. Tudo ao som de trilha sonora deliciosa de Jairo Ferreira, com direito a Je t´aime moi non plus e outras pérolas mais.

Dossiê Inácio Araújo

Os Garotos Virgens de Ipanema
Direção: Osvaldo Oliveira
Edição e Montagem: Inácio Araújo
Brasil, 1973

Por Leo Pyrata

Existem alguns caminhos quase inevitáveis de se esbarrar quando falamos do Cinema da Boca. Partir do principio que de certa forma eles traduziam o senso comum e o imaginário popular servindo hoje como uma espécie de documento histórico do momento não é nenhum exagero. Em alguns filmes, a sensação parece se amplificar quando nos damos conta que alguns aspectos negativos daquele momento, ainda hoje, quarenta anos depois, continuam muito longe de serem superados.

Os Garotos Virgens de Ipanema ou Purinhas do Guarujá, uma comédia juvenil, é produção da Serviços Gerais de Cinema, mais conhecida como Servicine, (produtora fruto da parceria entre Alfredo Palácios e Antonio Polo Galante). Comédia picante dirigida por Osvaldo de Oliveira, o Carcaça, diretor que segundo dizem não gostava de freqüentar cinema, mas que deixou uma obra exuberante em sua variedade de gêneros, de filmes de cangaço à musicais sertanejos, passando pelo marco do WIP e comédias eróticas, como esta que esse texto se propõe a tratar.

Produção de grande sucesso que trouxe em definitivo o apelo picante ao repertório das produções da Servicine, trata-se de um filme leve com temática juvenil, que trazia em seu elenco nomes estrelados como os de Mario Benvenuti e Elisabeth Hartmann. Os Garotos Virgens de Ipanema, visto hoje fora do contexto da época, mesmo levando em conta que boa parte das gags e a própria razão de ser do roteiro (de Enzo Barone e Osvaldo de Oliveira partindo da adaptação feita por Marcos Rey ao argumento proposto por Galante) venham justamente de interpretações equivocadas que o pai, vivido por Benvenuti, faz do comportamento do filho. Daniel, um adolescente que desde o primeiro plano do filme se aventura bisbilhotando o corpo feminino, não é compreendido por seu pai, que vive uma preocupação crescente acerca de um suposto desinteresse do filho pelo sexo oposto.

O pomo da discórdia é plantado logo no inicio do filme quando o pai se confunde achando que Daniel, por ter cabelo grande (como era bem comum aos jovens da época do filme), estava sendo confundido com uma mulher e, consequentemente, paquerado durante um desfile de moda. Daniel passa a partir daí a representar o fantasma da homossexualidade, apavorando o personagem de seu pai, que por sua vez tenta de varias maneiras “endireitar” o filho com soluções cujos efeitos parecem ainda mais inócuos aos olhos do pai.

Vale lembrar ao leitor que as comédias eróticas faziam uso dos tipos e dos clichês que povoavam o imaginário popular e que por trás da intenção cômica muito pode ser observado sobre um certo olhar machista-varão-patriarca da época. E daí surgem alguns dados importantes na seqüência final, em que o pai descobre que está sendo corneado pelo filho e a despeito da traição sai comemorando e bradando ” meu filho é homem”, “um verdadeiro trombeta”. Sintomático que o filho só passe a existir depois de provar sua “macheza” aos olhos bisbilhoteiros do pai, que não liga para o fato de ser traído desde que sua linhagem tenha continuidade. Emblemático o plano final com Benvenuti fazendo o gestual de fodedor garanhão em frente à casa grande.

Relacionando o momento do filme com episódios recentes de homofobia nos esportes ou ainda as agressões noticiadas quase que diariamente nos jornais protagonizadas até por representantes do povo brasileiro como o deputado Bolsonazi, ops, Bolsonaro, o que fica é a impressão de que vivemos em momentos ainda mais medievais. Resta saber se isso se traduzirá aos nossos olhos quando pensarmos com distanciamento no cinema de hoje, especialmente o que tem acesso ao circuito de exibição e que é bancado pelos editais e avalizado por equipes de marketing de grandes empresas. Tenho o palpite que dificilmente existirá a sinceridade de um filme como o Garotos, que remete à um tempo em que o cinema brasileiro (salvo a Embrafilme) era feito com recursos privados.

Leo Pyrata é estudante de cinema, ator do curta Contagem – Prêmio de Melhor Direção para Gabriel Martins e Maurílio Martins no Festival de Brasília -, diretor do curta Retrato em Vão, co-diretor do longa Estado de Sítio, e vocalista da banda Grupo Porco de Grindcore Interpretativo.